慢性消耗：芭蕾Ｘ舞踏 創作計畫（階段性呈現）
地點：University Cafe 相信世代
時間：2022/6/25 下午場
出演：劉瀠暄、朱庭妤
「白鹿的硬鞋已經完全濕軟而失去支撐力了」
照慣例，我也為各位描述一下這個空間。相信世代座落在巷弄之間的小咖啡廳，不從正門看就是一個普通的老宅。內外都有樓梯可以通往二樓，而表演區大多是在外門到外樓梯，再來是樓梯間到天臺之間，而只是這麼形容並不準確，外鐵門與內門之間有一道花蒲，之類的土地，長了一棵沒有被壓矮的芒果樹，那棵樹一路長到二樓，樹冠遮蓋了那一側天臺邊緣的欄杆。那一區的房舍多半是這個高度，所以即便只有二樓，在演出空間任何一處往外看，都會覺得視野很開闊。視覺上會與遠處的住家大樓相連成一個環形劇場。只差了樓梯間的幾公尺的差距，就把觀眾從小的空間帶往大的空間。對比節目單上提供的文本，觀眾是透過實際發生的「往上跟隨」來感受虛構的「不自覺往水裡走去」。有了《我的孤獨排除在你之外》、《母之死》的經驗，會很直覺地在進入咖啡廳的瞬間，就在尋找演出已經開始的跡象。照演出說明來說，觀眾入場的半個小時甚至比演出時長還久（20分鐘）。到了正式開演的時間，咖啡廳內熄燈，前台人員將觀眾引導出去戶外，而演出已經開始了。
呈現結束的當下正好是雨的高潮處，正當觀眾們躲回咖啡廳內時，外頭的雨就悄悄地停了，柔和的光線，讓人目眩神迷的路面積水與大樓玻璃反射過來的光線，像不肯結束的暑期營隊，歡送觀眾們離開空間，回到各自的現實生活。
我不禁想起劇場內的一段爭論「到底哪一場演出才是一齣戲的最佳場？」，這段爭論從學生時期的課堂呈現到出道三十年的經典重製，都適用，都能產生這一個疑惑。只不過這類的爭論會在戶外演出時被放大，而正規劇場內則會被忽略並避而不談。為什麼呢？因為我們會假定劇場空間是中性的，而讓演出建立於其上，想當然地演出也跟隨著劇場的中性性質，不會隨著外部時間流動對演出有什麼異變的可能，手機通知聲、嬰兒、右speaker炸開、演員對麻醬麵過敏而鎖喉，都只是偶發狀況，觀眾不能想著「謝謝你嬰兒，給我美妙的仲夏夜之夢；謝謝你麻醬麵，我看到了一個更好版本的羅密歐。」高歌離席，坦然入眠。
在《慢性消耗》開始之前，前台人員提醒觀眾，在演出過程中不建議撐傘，並準備輕便雨衣供觀眾們取用，不巧的是雨衣的數量並沒有剛好等於觀眾的數量，除了我還有幾位觀眾也在天臺處，對下得毫不節制的雨滴感到慌亂。我與另外一位觀眾躲在了芒果樹的樹冠以內，雖然葉子上還是有雨珠滑到我的頭髮內，但至少我找到一個較為舒適的角度去觀看暴力。劇場敘事中有不少關於呈現暴力的技巧，有直接的、迂迴的、象徵的、疏離的、粗魯的技巧，還有一種較少人使用，而許生翰的多次使用的方式。
忽略與碎片化
定義忽略的技巧我會說，使用Ｂ調動觀眾對Ａ的渴求，而永不給予觀眾Ａ，就像一個明知道你腰處疼痛的推拿師，卻不斷地按壓你的肩頰骨一樣，或者是一個馬拉松補給員遞給選手一個空紙杯一樣。而這個技巧與碎片化結合在一起就會變成，「演出空間與之外都具有著我將要給你的東西，但演出內你不會從我這拿走任何，連兌換卷也拿不到，但我可以勾勒出你想要的東西是什麼。」舞踏的最初是反對並破壞西方的美與身體的，在日本起源後散落在世界各地。要與任何一個人形容舞踏是什麼，很少能跳脫出恐怖、戰慄、直擊身心靈、塗白、 身體扭曲這類的描述，所以也有可能，有個觀眾從許生翰這裡認識了舞踏並感到強烈的興趣，飛到京都舞踏館觀看演出才發現「欸？怎麼會這麼不一樣？」
對，但，當然不一樣啊。這個不一樣不同於，在英國女王陛下劇院演出的《歌劇魅影》不同於台北小巨蛋演出的那樣。
許生翰帶來的每個作品，都會有一段文字，不是台詞，也不是劇情梗概，更不是食品成份說明，對我而言，即便我跟舞蹈、舞踏、藝術家表演者一點都不熟悉並且毫無關聯，看著這段文字的我就被吸引進來這裡了。所以假如你對許生翰的舞踏作品感到不夠舞踏不夠純，不妨這樣想，他在做的創作是以創作者個人出發的私影集，劇情重點卻不放在他身上，每一集與每一集之間，不是情節在推進，而在於你的Ａ渴求被調動的方式變化了幾次，觀眾想要去滿足Ａ渴求的慾望有多強烈。白色的鹿就是這個私影集世界的其中一塊碎片，我在《我的孤獨排除在你之外》中就被這個角色深深的吸引，我當時一直猜想這個角色是不是代表著老衰死等時間的意象，在《慢性消耗》的文字面就明確地借用狂鹿症的病情描述，來延伸白鹿的在私影集世界中如何發生作用，而這個補充卻沒有抵銷掉我過去在草御殿中感到那個白鹿形象，十分有趣，好像在草御殿的演出中，慢性消耗就已經存在於未來了，所以彼此兩個時空沒有互相干涉吧。
這個私影集世界，能否搭建於正規劇場空間之上呢？
首先遇到的問題是，如何轉化每一次有使用到空間的特定因素，例如草御殿中的穿廊、防空洞、樓層上下都能看見的樹。真正的雨與劇場內的雨水裝置，給觀眾的感受肯定是不相同的，即便你不是場場開啟灑水裝置也是。觀眾能自由的選擇視角與無定點觀眾席也是不相同的，即便上述幾點都能成功轉化，但還有一點是相對更困難的。「如何保有演出發生的偶然性與不定性？」
這種偶然，通常是帶有游擊隊性質的團隊創作出來的，一種我不宣傳演出，你也不宣稱你要來觀看的偶然，我想許生翰的這種創作方式也在某種程度達成了舞踏的直擊心靈吧。其他的藝術游擊者，通常藏匿在街角、樹叢、陰溝中，等待著觀眾透過暗示、暗號確認才跳出來，與觀眾發生「藝術性偶遇」，當然還有少許的金錢（🐱😢），藉以進行此種如「巷戰」一般的劇場對話。雖然從台北藝穗節成長出來的表演者與團隊，起初都多少保有此種巷戰性質，或者強拉自己的朋友叔伯姨婆等等的「綁票性質劇場談話」，這點稍微帶過不繼續說明。如何能把發展期的權宜內化成表演的底蘊，讓你的演出空間不論進入到正規或非正規劇場空間，此種巷戰對話都能產生，這是非常關鍵與困難的。
感謝大家閱讀到此處，如果有觀看這次的演出，歡迎留下你對我的評論的看法，不認同或不理解的部分也請多多提出來方便大家討論。如果沒有觀看演出，但對我提出的概念有其他想法與問題的讀者也歡迎留下你的看法，我作為一個漏看《你站在窗外沒有回頭》的觀眾，非常建議你去追蹤許生翰的個人臉書，好了就這樣，大家多多保重。
白色的鹿站在窗外，往屋子裡看。
牠的角上掛著頭顱，喃喃地發出聲音。
母親，
伴隨著你的悲劇，
我將會騎上那頭白色的鹿，任由牠往很深的水走去，
直到水把我淹沒，在用盡最後的氣息之前，我依舊不抱期待地等你。
慢性消耗病（chronic wasting disease）是一種鹿科的傳染病，這種病毒會入侵鹿的腦部、侵蝕他們直到空洞、直到死亡。慢性消耗的病毒會讓宿主不自覺地往水裡走去，藉由溺斃宿主來傳播病毒 — — — 摘自宣傳文字
